Elena Tarasenko ist eine preisgekrönte Künstlerin aus Deutschland, deren Gemälde national und in Italien ausgestellt wurden. Darüber hinaus wurde ihre Kunst in Publikationen wie DIE WELT, Berliner Woche, Ars Magistris usw. vorgestellt. Inspiriert von den Meistern der Renaissance haben sich Tarasenkosunverwechselbare figurative Arbeiten an die zeitgenössische Erfahrung angepasst. Sie verbindet Fantasie mit Humor und verwendet eine dezente Farbpalette und übersetzt eine „ruhige melancholische Schönheit“.

1981 Born in Riga

1994 – 2001 Janis Rozental´s Upper Secondary Riga Art School

2002 – 2006 Latvian Academy of Art

Works in Riga and Berlin

Elena Tarasenko

Eena Tarasenko (* 1981 in Riga, lettische SSR, Sowjetunion)) ist eine lettische Malerin, die seit 2010 in Berlin tätig ist und eine ausschließlich figurative Malerei verfolgt. In Riga besuchte sie von 1994 bis 2001 die Janis Rozentāls Kunstschule, anschließend studierte sie von 2002 bis 2006 an der Lettischen Kunstakademie.

Als Verehrerin der Neuen Sachlichkeit, vor allem von Christian Schad, aber auch der Alten Meister, besonders der niederländischen Malerei des „goldenen 17. Jahrhunderts“, hat sich Elena Tarasenko auf Stillleben, Figurenbilder und Frauenporträts in einem unterkühlten Fotorealismus spezialisiert, wobei ihr überwiegend das zeitgenössische Leben als Folie dient. Als Modelle fungieren Freundinnen oder die Künstlerin selbst. Mit Fantasie, Humor und Liebe zu minutiösen Details sowie durch eine subtile Farbpalette gewinnt sie aufgrund von Naturskizzen, Alltagsbeobachtung oder fotografischen Vorlagen dem urbanen Leben jenseits von Hype und Hektik eine neue Schönheit ab.

Elena Tarasenko wird erwähnt in dem 2013 erschienenen zweibändigen Kompendium „Women in Art“ von Reinhold Fuchs, das über 500 Künstlerinnen vom Mittelalter bis zur Gegenwart berücksichtigt (Edition Fuchs). Seit 2005 ist sie beteiligt an Gruppenausstellungen der Galerie TVD ART, Berlin.

Gemälde von ihr befinden sich in privaten Sammlungen sowie im Contea Caravaggio Museum für internationale zeitgenössische Kunst in San Giovanni la Punta auf Sizilien.

Heute lebt und arbeitet sie als Architektin und freischaffende Künstlerin in München.

Schöpfung ist, wenn das Selbst nicht da ist, weil die Schöpfung nicht intellektuell ist, nicht vom Verstand ist, nicht selbst projiziert wird, etwas jenseits aller Erfahrung ist, wie wir sie kennen.

Ihr richtiger Name ist Ivana Sucháčová (Künstlername ist Ordo Amoris), sie ist eine abstrakte Malerin, die in Prag arbeitet, mit ihrer zweiten Heimat in Asien. Sie experimentiert in ihrer Arbeit mit dem Thema Freiheit, das sie als Essenz der Primärquelle, der Erschaffung allen Seins, betrachtet.

Ob wir in der Lage sind, ohne Konzept in unserem denkenden Verstand zu erschaffen. Die Frage, die Sie stellt, ist: Was ist dann die Freiheit?

Sie erhielt einen Master of Philosophy of Art an der Karlsuniversität in Prag, Tschechische Republik. Nicht nur ständig Antworten auf Studiensuchen, sondern auch ihre Gedanken, die über das normalerweise Bekannte und Wahrgenommene hinausgehen, beeinflussten ihre Bilder.

Ihre Arbeit ist geprägt von Gedanken, die über die Grenzen des allgemeinen Wissens und der gewöhnlichen Vision und des Verständnisses der Welt hinausgehen.

Ihre Tendenzen in ihrer Arbeit sind inspiriert von der Nachkriegsgeneration amerikanischer abstrakter Expressionisten, in der die Leinwand zufällig ein riesiger Raum war, in dem man handeln konnte, und nicht als Raum, in dem man ein Objekt oder eine Idee, tatsächlich oder imaginär, reproduzieren, neugestalten, analysieren oder ausdrücken konnte. Sie geht in ihren visuellen Studien sogar darüber hinaus und transzendiert das, was der Geist denkt, zum wesentlichen Kern der Selbstschöpfung. Was auf die Leinwand kommt, ist eine bedingungslose Schöpfung aller Bewegungen im Universum. Und es gibt große Liebe – Orden der Liebe, Ordo Amoris.

Die Kraft des reinen Augenblicks jetzt

Die Künstlerin konzentriert sich darauf, die Grenzen des gewöhnlichen Denkens zu verschieben, wo Bewusstsein in seinem produktivsten Zustand unabhängig davon entsteht, was der Geist zu denken gelernt hat. Durch das Ignorieren der Denk- und Verhaltensmuster bildet sich die absolute Wachsamkeit des eigenen freien Wesens, das aus jedem neuen Moment „JETZT“ sein eigenes Wesen schafft.

„Es ist keine Erkenntnis, denn sein Attribut ist es, sich auf das Alte zu beziehen. Es ist die Öffnung tiefer Intelligenz in der Neuheit oder der Authentizität eines einzigartigen Moments“, sagt Ordo Amoris.

Der Akt, über das hinauszugehen, was normalerweise in Wahrnehmungen oder Schöpfungen als entscheidender Teil ihres kreativen Prozesses bekannt und gedacht ist, kann als Einladung zu einem Raum verstanden werden, den der Geist „die Wunder“ nennen würde. Was auf die Leinwand kommen soll, reflektiert sie, ist weder ein Bild, noch eine Idee, nicht das Ereignis, sondern das „Was ist“. „Ich habe keine Tendenz, meine Arbeit abstrakt zu nennen. Die Werke, die im Raum der Freiheit entstehen, sind weder meine Projektionen noch Ausdrücke, sie haben nichts mit mir selbst oder meinen Gefühlen zu tun. Es ist nicht selbstprojiziert, das Selbst ist nicht einmal da. Es ist etwas jenseits aller Erfahrungen, wie wir es kennen.“ Das Werk, dem sie die Freiheit gibt, dass seine ätherischen organischen Formen entstehen, die nicht konditioniert sind, aber nicht automatisch aus dem Unterbewusstsein entstehen, ist vielmehr eine fließende Transzendenz von allem, was ist, sogar von sich selbst.

hre Werke gehören zur Museumssammlung des Museums für zeitgenössische Kunst Chiang Mai, MAIIAM, Thailand, und zu den Privatsammlungen verschiedener Sammler auf der ganzen Welt, aus Prag, London, Deutschland, Frankreich, Spanien, Slowakei, USA, Thailand, Java und Bali.

Derzeit lebt und arbeitet sie in Prag und in Asien, hauptsächlich in Bali, das zufällig für ihr anderes Zuhause war, und neben der Malerei beobachtet sie die Welt mit alten Zwei-Linsen-Filmkameras.

Kirill Postovit ist vor allem für seine skulpturalen Denkmäler und surrealistischen/modernistischen Gemälde bekannt. Kirill Postovits Werke sind in über 70 Ländern in Galerien, Museen, Sammlungsfonds und Privatsammlungen zu finden. Kirill Postovits Arbeiten werden in der Katie Feygie Art Gallery (einer Galerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Prag) präsentiert, die den Künstler weltweit vertritt. Die Werke von Kirill Postovit wurden in mehr als 260 Ausstellungen und Kunstpräsentationen auf der ganzen Welt gezeigt. Mehrere weltbekannte Kunsthistoriker und Kunstkritiker haben ihn zu einem der wichtigsten Künstler der Gegenwart ernannt und vergleichen seine Werke oft mit Marc Chagall.

Von 1997 bis ins Jahr 2000 arbeitete er drei Jahre lang in Israel mit der Galerie Sary Kishon zusammen. In dieser Zeit fanden mehrere Einzelausstellungen des Autors statt, außerdem nimmt er an der Ausstellung zeitgenössischer Kunst im Museum of Modern Art in Tel Aviv teil. Diese Ausstellung brachte Erfolg und Anerkennung, und Kirill Postovit wurde nach ihrer Fertigstellung in die Liste der akademischen Künstler Israels aufgenommen, die vom State Art Museum in Jerusalem geführt wird, und in die Association of Artists of Israel eingeladen. Im selben Jahr kaufte der Schriftsteller Ephraim Kishon (Nobelpreisträger) mehrere Zeichnungen und Skulpturen für seine Privatsammlung, kurz darauf landeten mehrere Gemälde in der Privatsammlung von Tommy Lapid (Mitglied der israelischen Knesset). Im Jahr 2000 schuf der Autor das Denkmal „Familie“, das der Erinnerung an Familien und Opfer von Terroranschlägen gewidmet ist. Diese Statue befindet sich in einem Viertel der Stadt Haifa.

2001 kehrte Kirill Postovit endgültig nach Tschechien zurück, wo er bis heute lebt und arbeitet. Im selben Jahr nahm er an der internationalen Ausstellung Salon International D’Art in Belgien teil, wo drei der Bronzeskulpturen für einen internationalen Kunstpreis nominiert wurden. 2002 fand die erste Einzelausstellung des Autors in der Jerusalemer Synagoge in Prag statt.

Von 2006 bis 2008 arbeitete der Autor an einem großen Denkmal für die Opfer des Ghettos Theresienstadt. Im Jahr 2008 wurde dieses Denkmal unter dem Namen „Gebet“ am Ufer des Flusses Eger an der Stelle aufgestellt, wo die Asche der ermordeten tschechischen Juden in den Fluss geworfen wurde. Dieses Denkmal ist zu einer düsteren Dominante des Gedenkplatzes geworden. Jedes Jahr findet hier das Kever Avot statt, um die jüdischen Opfer des nationalsozialistischen Völkermords in den tschechischen Ländern zu ehren. Von 2008 bis 2011 widmete er sich seiner Arbeit, die er erfolgreich in zahlreichen Ausstellungen ausstellte Ausstellungen in der Tschechischen Republik und im Ausland.

In den Jahren 2011-2013 setzte der Künstler seine Ausstellungstätigkeit fort.

Kirill Postovit arbeitete auch an der Skulptur „Agla“ für das Nationaldenkmal Theresienstadt, die 2018 enthüllt wurde und Teil der ehemaligen Kaserne in Magdeburg wurde. 2018 schenkte der Autor seine Zeichnung „Moaning about Life“ dem Museum für römische Kultur in Brünn. 2019 fand in Prag die Jubiläumsausstellung des Künstlers The Edges Of Art statt, bei der neben anderen Kunstwerken auch Leihgaben aus den Sammlungsfonds und Museen der Welt präsentiert wurden.

„Schönheit ist kein vorgeschriebenes, gesellschaftliches Ideal, sondern zeigt sich durch die Wertschätzung der eigenen Person. Ich liebe es, kräftige Farben und verspielte Details in meine Kunst einzubeziehen, die an kindliches Gekrakel erinnern. Kinder sehen die Welt mit einer beneidenswerten, kreativen Unbeschwertheit und stehen ganz selbstverständlich zu ihrer Persönlichkeit. Diese Unbeschwertheit, die uns so einzigartig macht, möchte ich mit meiner Kunst widerspiegeln.“

Karoline, geboren 1990 in Suhl, Deutschland, ist eine autodidaktische Malerin. Sie lebt und arbeitet in Leipzig.

Karoline lässt sich bei ihren farbenfrohen Gemälden von Mode, starken Frauenpersönlichkeiten, sowie Mustern und Farbpaletten der Natur inspirieren, die ihre Emotionen und Kreativität zum Malen ihrer Werke anregen.

Ihr unverwechselbarer persönlicher Stil drückt die Lebendigkeit und einen freien, verspielten Geist aus. Ein Stil, den sie in ihrer Kunst mit der festen Überzeugung vertritt, dass Kreativität ein Kanal ist, um sich von engstirnigen, gesellschaftlichen Idealen loszulösen.

Ihre Kunstwerke verkörpern abstrakte Merkmale, in denen eine Verschmelzung von Formen, Größen, Farben und Rhythmen ihre Ideen und Gefühle zum Ausdruck bringen.

Karolines Kunstwerke fesseln visuell mit ihrem unermüdlichen Wunsch, künstlerischen Einfluss zu nehmen und die freigeistige Selbstbestimmung zu katalysieren. Durch ihre Bilder erleben wir unsere Welt in einer neuen, mutigen Perspektive.

Seine Werke wurden im renommierten Kulturzentrum Tomás y Valiente, in der Galerie MovArt und in der Galerie Artevistas in Spanien ausgestellt. 2017 nahm er auch an der Kunstmesse in Málaga teil.

Seit seiner Ankunft in Luxemburg hat Álvaro Marzán an zahlreichen kollektiven Veranstaltungen teilgenommen, wie z.B. dem Intro – Painting 2.0 (Galerie Beim Engel), mehreren Ausgaben von KonschTour (Vianden), Troc’n’Brol (Rotondes) und Sand-Box8, um nur einige zu nennen.

2018 erhielt er vom Kulturministerium das „statut d’artiste“ und arbeitete als Gastkünstler bei Schläiffmillen, Artist’s Residence (2019-2020). 2020 präsentierte er seine erste Einzelausstellung (Kulturhaus Niederanven). 2021 wurde er zum Associate Artist von neimënster ernannt, nahm mit Unterstützung des Neistart-Stipendiums an einer Kreativresidenz teil und präsentiert seine Ausstellung Space and Desire.

„Kunst muss nicht schreien um laut zu sein.“

Beatrice Foit, geboren 1986 in Gotha, Deutschland, ist eine autodidaktische Malerin.

Nach dem Studium in Erfurt und Ihrem Abschluss als Master of Arts arbeitet Sie als Architektin in München.

Die Bilder zeigen Räume und immer wieder Pissoirs mehr oder weniger sichtbar. Ihre Kompositionen, gemalt im Stil der Abstraktion, manchmal schroff, sind real und weit, wie aus der eigenen Umgebung entsprungen. Zunächst abstrakt dargestellt beginnen sich die Räume immer mehr zu öffnen und fangen an ihre Geschichten zu erzählen. Eine Geschichte voller Vorurteile, die durch zunächst ausgelösten Ekel beim betrachten dieser Alltagsgegenstände entstehen und schlussendlich am Interesse geschlechtsspezifischer Räumlichkeiten endet.

Indem die Künstlerin die Sanitärgegenstände wohlwollend attraktiv in der Komposition platziert fordert sie den Betrachter damit auf die Schönheit in diesen Szene zu finden und sie salonfähig zu machen.